Translate

Posts weergeven met het label kunst en cultuur. Alle posts weergeven
Posts weergeven met het label kunst en cultuur. Alle posts weergeven

zondag 9 augustus 2015

Artsy

Artsy is een Amerikaanse website over kunst.

"Artsy’s mission is to make all the world’s art accessible to anyone with an Internet connection. 
We are a resource for art collecting and education"

Op Artsy.net zijn veel kunstwerken te bekijken, van oud tot hedendaags. Je kunt zoeken op artiest of kunststroming.
Daarnaast informatie over exposities, artikelen, kunsteducatie, kunst verzamelen, magazine, enzovoorts.

www.artsy.net



Henri Matisse

Henri Matisse (1869 – 1954) was een leidende figuur in de groep van Fauves, een groep kunstenaars die streefden naar vrijheid en experiment.
Dit leverde onder meer schilderijen op met felle kleuren, vertekend perspectief en duidelijke contourlijnen.
In zijn schilderijen, waarin klassieke thema’s zijn te herkennen, beoefende Matisse de kunst van het weglaten.

Hoe ver kan worden gegaan in de vereenvoudiging van het beeld van de natuur, zonder dat het wezen ervan verstoord word?
Op welk punt verwordt het schilderij tot slechts een vlakversiering?

Matisse beperkte ook zijn kleurenpallet.
Kleuren fungeren naast vlak en lijn als zelfstandige beeldmiddelen.
Citaat Matisse: “It is not enough to place colors, however beautiful, one beside the other; colors must also react on one another. Otherwise, you have cacophony.”

Het landschap wordt in het schilderij geabstraheerd, vereenvoudigt of omgevormd.
In een schilderij is altijd sprake van een vertaling, het blijft een beeld van, een ver-beelding.
Hierin is een belangrijke rol voor de schilder gelegen, maar evengoed voor de toeschouwer. Deze maakt bij wat hij of zij ziet een interpretatie.
Het gaat om het extra’s in het schilderij, waardoor het blijft boeien.
De aantrekkingskracht en verleiding voor het oog.
Het neemt je mee op reis door het landschap, in het schildersdoek.

Henri Matisse Wikipedia

Les toits de Collioure, Oil on canvas. H. Matisse In the collection of the Hermitage Museum.

Landscape at Collioure, oil on canvas, 38.8 x 46.6 cm. In the collection of the Museum of Modern Art, New York

zaterdag 11 juli 2015

Clair obscur

De term clair obscur komt van het Italiaanse chiaroscuro.
Clair obscur verwijst naar een techniek van uitbeelden waarbij er een groot contrast is tussen licht en donker. Clair obscur kom je tegen in de schilderkunst, maar ook in fotografie en film.

De beeldtaal bestaat uit contrasten in licht en donker. Er is sprake van groot contrast in de belichting, waardoor de afbeelding meer dramatiek krijgt. De achtergrond is meestal donker en op de voorgrond zijn bepaalde onderdelen uitgelicht, waardoor deze meer nadruk krijgen.
Eigenlijk werkt het net als een spotlight op een podium.

Clair obscur ontstond in de Renaissance in het werk van Masaccio. Daarnaast zijn Caravaggio en Rembrandt bekend van hun clair obscur werkwijze.

Rembrandt van Rijn

donderdag 29 augustus 2013

En plein air schilderen

En plein air

Het begrip ‘en plein air’ is een Franse uitdrukking welke verwijst naar het schilderen in de buitenlucht.
Buiten schilderen naar waarneming oefent het oog en is een aangename bezigheid.

Met de komst van verf in tubes werd het voor kunstschilders gemakkelijker om buiten te schilderen.
Begin 19e eeuw kwam de industriële productie van kunstenaarsverven op gang en werd verf voor het eerst aangeboden in varkensblaasjes en vanaf ca. 1840 in tubes.
Old Holland Museum



Rond 1830 trokken veel schilders vanuit Parijs naar de regio Île-de-France,
waar zij het bos van Fontainebleau en het landschap rondom Chailly en Barbizon naar de natuur schilderden.
In de tijd van het historische klassieke landschap was dit een nieuw fenomeen. Voor veel kunstcritici evenals de Salon uit die tijd was het schilderen ‘en plein air’ onacceptabel. Maar tegenwoordig wordt deze schilderwijze weer meer als traditioneel gezien.

Naast de school van Barbizon, schilderden ook de impressionisten ‘en plein air’. De impressionisten hadden in het bijzonder aandacht voor de werking van het natuurlijke licht. Ook de schilders van de Haagse school werkten veel buiten in het Hollandse landschap.

Wanneer je buiten schildert zijn er een aantal factoren waarmee je rekening dient te houden. Om te beginnen is er het licht wat veranderlijk is.
Afhankelijk van de plaats, weersomstandigheden en tijd, verandert de lichtval. Schaduwen verplaatsen zich en kleuren veranderen, het is dus zaak om snel te werken. Daarnaast is de keuze van de locatie en daarmee de compositie van belang.
Verder zijn natuurlijk de weersomstandigheden van invloed. Regen, kou en een brandende zon kunnen het 'en plein air' schilderen moeilijker maken.

zondag 15 januari 2012

Stilleven

Stilleven in de schilderkunst

Het stilleven is een thema in de schilderkunst waarbij de voorstelling bestaat uit groeperingen van onbezielde voorwerpen. Zoals vruchten, bloemen, dood wild, boeken, servies, instrumenten, enzovoorts.

In de Chinese en Japanse kunst komen stillevens al vroeg voor.
In West Europa zijn de eerste stillevens te vinden in Romeinse wandschilderingen en mozaïeken.


In de middeleeuwen kwam het stilleven voor in religieuze voorstellingen. Het vroegst bekende zelfstandige stilleven is van Jacopo de Barbari 1504.

In Nederland ontwikkelde het stilleven zich vooral in de 16e en 17e eeuw. Er ontstonden toen steeds meer specialisaties binnen het thema stilleven, zoals het bloemstilleven, het jachtstilleven en het keukenstuk.
In de 17e en 18e eeuw was het stilleven een populair onderwerp voor schilderijen. Er werden bijvoorbeeld exotische planten, schelpen en dergelijke geschilderd. Het stilleven werd ook gebruikt om een diepere betekenis uit te beelden. In de loop der tijd vervaagden de waarden van symbolen door de veranderende smaak van opdrachtgevers.

In de 18e eeuw was de Franse schilder Chardin en belangrijk stilleven schilder.
Hij schilderde alledaagse voorwerpen, die hun schoonheid verkregen door de groepering en de aandachtige schilderwijze.

Chardin, Stilleven met vruchten en aardewerken kruik 1726 - 1728
http://collectie.boijmans.nl


Ook in latere eeuwen is het stilleven een belangrijk onderwerp gebleven in de schilderkunst, zoals bij Cezanne. “Schalen, glazen en fruit zijn op zichzelf helemaal niets bijzonders. Ze worden alleen bijzonder door datgene wat ik er op mijn schilderij mee doe. Dat is mijn taak, mijn roeping als kunstenaar.” aldus Cezanne.

Stilleven, Paul Cézanne 1890-1894
http://nl.wikipedia.org/wiki/Paul_C%C3%A9zanne


In de 20e eeuw ontstaan abstracte stillevens, zoals het Stilleven op tafel van Picasso 1931
De kleuren, golvende lijnen en de compositie geven een sfeer van vitaliteit en energie. Er is niets ‘stil’ in dit stilleven.

STILL LIFE ON A PEDESTAL TABLE, Pablo Picasso 1931
http://www.matisse-picasso.org


Een stilleven kun je op vele verschillende manieren schilderen. Het biedt als waarnemingsoefening dan ook veel mogelijkheden voor persoonlijke expressie. Zo kun je het stilleven precies schilderen zoals je het ziet, een realistische weergave. Een andere manier is om de nadruk te leggen op kleur, licht en donker, sfeer, of vorm.
Een stilleven kun je ook abstraheren, vervormen of vanuit verschillende standpunten benaderen.
Welke benadering van het stilleven je ook kiest, behalve je persoonlijke voorkeur dien je ook rekening te houden met waar het stilleven zich het beste voor leent.

maandag 11 april 2011

Kunst en cultuur webfeeds

Kunst en cultuur in het nieuws


Nieuws over een specifiek onderwerp, zoals kunst en cultuur, kun je gemakkelijk volgen met een feedreader.
Een feedreader is een programma dat feeds verzamelt en beknopt de inhoud van een website weergeeft. Webfeed is een verkorte weergave van de inhoud van een webpagina en/of blog. Er zijn online feedreaders en readers die onderdeel zijn van een e-mailprogramma of browser. Veel moderne mobiele telefoons hebben tegenwoordig ook een feedreader.

Met een feedreader kun je dus kranten en weblogs op specifieke onderwerpen eenvoudig volgen, zonder dat je alle websites apart hoeft te bezoeken.

~

Een verzameling kunst en cultuur webfeeds:


http://www.trouw.nl/nieuws/cultuur/rss.xml

http://volkskrant.nl/rss/kunst.rss

http://www.parool.nl/cultuur/rss.xml

http://www.kunstbeeld.nl/rss/serve.lasso?s=kb&nID=j2

http://www.tubelight.nl/home/rss/

http://www.metropolism.com/rss

http://kunst.blog.nl/feed

http://kunstklimaat.wordpress.com/feed/

http://www.trendbeheer.com/feed

http://www.lost-painters.nl/feed/

http://www.dekunstacademie.nl/kdm-feed.html

http://museummedia.nl/feed/rss/

http://www.telegraph.co.uk/culture/art/art-news/rss

http://creativereview.co.uk/feed

http://www.frieze.com/feeds/universal_rss/

http://inlog.org/feed/

http://www.aldaily.com/rss/rss.xml

http://www.independent.co.uk/arts-entertainment/rss

http://feeds.guardian.co.uk/theguardian/artanddesign/rss

http://feeds.feedburner.com/artupdate/rss

http://www.artupdate.nl/?feed=rss2

http://feeds2.feedburner.com/todayandtomorrow_net

http://drawingsandnotes.blogspot.com/feeds/posts/default

http://artforum.com/rss.xml

http://feeds.feedburner.com/artinfo-all

~

Er zijn uiteraard op internet nog veel meer rss webfeeds te vinden.
Heb je een goede tip? Dan verneem ik dat graag!

Lees hier meer over webfeed en feedreader: http://nl.wikipedia.org/wiki/Webfeed

woensdag 2 maart 2011

Het naaktmodel

Het naakt is een klassiek thema in de beeldende kunsten.
Lees hier hoe dit thema door de eeuwen heen zich heeft ontwikkeld.

Het naaktmodel in de kunst

De naakte mens is al te vinden in de prehistorie, in de vorm van venusbeeldjes. Deze beeldjes stonden symbool voor vruchtbaarheid.
Bij de oude Grieken komen veel beelden van mannelijk naakt voor. Deze naakten laten het ideaalbeeld van de goedgevormde atleet zien.
Onder invloed van religie was het naakt in de Middeleeuwen voornamelijk te zien in de vorm van goden en Bijbelse figuren, zoals Adam en Eva.

Twee luiken altaarstuk Adam en Eva - Jan van Eyck


Bron afbeelding: http://www.cedargallery.nl

De aandacht voor het naakte lichaam nam weer toe in de Renaissance. In die tijd werd er veel studie gedaan naar de anatomie en verbeelde het naakt de ideale schoonheid.

Mannelijk naakt - Michelangelo Buonarroti


Bron afbeelding: http://www.teylersmuseum.eu/

Ingres - La Grande Odalisque
Bron afbeelding:
http://commons.wikimedia.org/wiki/Jean_Auguste_Dominique_Ingres

In de 19e eeuw wordt het naakt vrijer en meer alledaags weergegeven. Dit ging niet zonder slag of stoot, want voorheen mocht het naakt alleen kuis en niet te uitdagend of te realistisch worden afgebeeld.
Het schilderij 'Le dejeuner sur l'herbe' van Edouard Manet vond men in 1863 heel schokkend, omdat in dat schilderij het naakt door Manet uit zijn traditionele context is gehaald.

Le déjeuner sur l'herbe - Édouard Manet

Bron afbeelding:
http://nl.wikipedia.org/wiki/Bestand:Manet,_Edouard_-_Le_D%C3%A9jeuner_sur_l%27Herbe_(The_Picnic)_(1).jpg

In de loop van de 19e eeuw wordt het naakt een zelfstandig onderwerp in de kunst en is het in diverse stromingen een belangrijk thema.
Het naakt is onder meer te vinden in het impressionisme, expressionisme, symbolisme en kubisme.
De 20e eeuw maakt het ook mogelijk dat het naakt op foto en in film kan worden vastgelegd. Het lichaam wordt dan ook zelf een kunstwerk in de vorm van body-art.

Rembrandt - Bathsheba


Bron afbeelding:
http://en.wikipedia.org/wiki/File:Rembrandt_Bathsheba_in_het_bad,_1654.jpg

Tamara De Lempicka


Bron afbeelding: http://www.delempicka.org/

Pablo Picasso


Bron afbeelding: http://en.wikipedia.org/wiki/File:Picasso-Necklace.jpg

Lucian Freud


Bron afbeelding: http://www.artnet.com/artists/lotdetailpage.aspx?lot_id=2112B13A708709D4F12A508252010B41

zondag 21 november 2010

Kleur in de schilderkunst

Kleur van pigmenten

In de schilderkunst is het kleurgebruik door de eeuwen heen onder meer bepaald door de beschikbaarheid van kleurpigmenten. Pigment bestaat uit kleine korreltjes en geeft kleur aan verf en inkt. In de prehistorie waren er nog weinig pigmenten beschikbaar en haalde men ze onder meer uit de grond, zoals gele en rode okers. In later tijden kwamen er meer pigmenten beschikbaar door handel en technische ontwikkelingen. In de Romeinse tijd werden kleurpigmenten vaak verwerkt als tempera verf en in de Renaissance werd olieverf populair. Met de industriële revolutie kwam acrylverf en daarmee ook de ontwikkeling van nieuwe kleurpigmenten.


Grotschildering Lascaux
Bron afbeelding: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bb/LascauxStier.jpg


Pigmenten zijn er in vele soorten en maten, er kan een onderscheid worden gemaakt in herkomst. Zo zijn er organische pigmenten, anorganische en synthetische pigmenten. Organische pigmenten zijn onder andere van dierlijke en plantaardige oorsprong. Anorganische pigmenten zijn bijvoorbeeld aarde- en minerale pigmenten. Synthetische pigmenten zijn in het laboratorium gemaakt. Samen met het bindmiddel bepalen de pigmenten de mogelijke kleuren van verf.

Kleurgebruik en cultuur

Het kleurgebruik verschilt per cultuur en had met name in het verleden veelal een symbolische betekenis. Zo werkten Zen boeddhisten vooral met subtiele kleuren. En in de Japanse schilderkunst werd het kleurgebruik beperkt door te werken met de kleurencirkel welke bestaat uit 5 primaire kleuren. Daarbij mocht er naast een hoofdkleur geen gemengde kleur worden gebruikt, want dit zou de kleur zijn levendigheid ontnemen. Van de Egyptenaren zijn schildersdozen gevonden met 8 tot 14 holten voor verschillende kleuren, zoals terracottarood, turquois, blauw, groen, zwart, wit en okers. En volgens onderzoek gebruikten de Grieken een pallet van voornamelijk vijf kleuren, te weten rood, geel, wit, zwart en blauw.


Kleurencirkel
Kleurencirkel

Kleur en schilderstechniek

In de fresco techniek, vanaf 13e eeuw en met name in de renaissance, werden in water oplosbare pigmenten gebruikt. Dit waren veel aardekleuren, zoals okers, krijt, houtskool, omber en roze en groene klei. Minerale pigmenten, zoals blauw, werden a secco (droog) in de fresco verwerkt met het bindmiddel ei.
In de 14 – 15 eeuw kwam er met olieverf, waarbij de pigmenten worden gebonden met olie, meer heldere kleuren tot de beschikking van kunstschilders. Jan van Eijck (ca. 1390-1441) was één van de eerste grote meestersschilders in olieverf. Door het schilderen van verschillende (transparante) kleurlagen in olieverf ontstonden weer veel nieuwe kleurtonen. De Venetiaans schilder Titiaan (1488-1576) staat bekend als een groot colorist. In de havenstad Venetië had hij de beschikking over veel geïmporteerde pigmenten. Hij schilderde meer vanuit kleurvlakken en zonder voorschetsen.

Kleur als beeldmiddel

In de 19e eeuw werd kleur een steeds belangrijker beeldmiddel in de schilderkunst. Kunstschilder Delacroix bestudeerde de natuurlijke belichting en kleuren in de natuur. Hij schilderde met ongemengde kleurpigmenten, veelal in complementaire kleuren naast elkaar. Evenals Goethe had Delacroix interesse voor de optische werking van kleuren. Met de impressionisten, met Monet voorop, werd kleur belangrijker dan vorm in de schilderkunst.

Claude Monet
Claude Monet
Bron afbeelding: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5c/Claude_Monet%2C_Impression%2C_soleil_levant%2C_1872.jpg

Monet adviseerde: “als je gaat schilderen, probeer dan te vergeten welk voorwerp je voor je hebt – een boom, een huis, een veld of wat dan ook. Denk alleen maar: hier is een vierkantje blauw, hier een rechthoek roze, hier een streek geel, en schilder het net zoals het je voorkomt, de juiste kleur en vorm, tot het je eigen naïeve impressie geeft van het landschap dat voor je ligt.”

De impressionisten probeerden de tijdelijke realiteit van het licht in kleur weer te geven. De post-impressionisten gingen verder en experimenteerden met de optische menging van kleuren. Dit deden zo door kleine vlekjes van onvermengde kleuren naast elkaar te schilderen. Van dichtbij zie je de afzonderlijke kleuren naast elkaar, maar wanneer je van enige afstand kijkt, lijken de kleuren optisch met elkaar te mengen. Schilder Seurat is met zijn pointillisme hiervan een goed voorbeeld. Maar ook Van Gogh liet zich door deze schildertechniek inspireren.

George Seurat
George Seurat

Bron afbeelding: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/5/5d/Seurat-La_Parade_detail.jpg

Gaugain was een schilder die meer werkte met grotere contrasterende kleurvlakken, die elkaar in helderheid en kleur versterken. Hij gebruikte kleur niet alleen voor het weergeven van de natuur, maar ook ter verbeelding van het mysterie en de gevoelens die kleuren kunnen geven.
In het Fauvisme, een stroming welke rond 1900 zijn hoogtepunt had, lieten schilders de imitatie van de natuur los en gebruikten ze kleuren naar believen, wat zeer kleurrijke en intense schilderijen opleverde.
Ook in het werk van Robert Delaunay speelde kleur een belangrijke rol, hij liet zich onder meer inspireren door de kleurentheorie van Chevreul.

Citaat Robert Delaunay: “Ik kreeg het idee van een schilderij dat technisch slechts uit kleur zou bestaan, uit kleurcontrasten die tijd kosten om ze tot je door te laten dringen maar die zich gelijktijdig in één oogopslag laten waarnemen. Ik gebruikte de wetenschappelijke term van Chevreul: simultaancontrasten”.

Robert Delaunay
Delaunay

Bron afbeelding: http://emuseum2.guggenheim.org/media/full/49.1184_ph_web.jpg

Mark Rothko behoort met zijn werk tot de colourfield painting. In colourfield painting gaat het met name om de ervaring van kleur. Rothko schilderde op groot formaat monochrome kleurvlakken, in zijn werk staat de emotionele kracht van zuiver kleur centraal. Het schilderij als een meditatieve ervaring.

Rothko interactief bij Tate Modern

Nieuwe kleur met acrylverf

Met de industriële revolutie en de komst van acrylverf ontstonden er weer nieuwe kleuren, zoals onder meer fluorescerende kleuren en metallics. Acrylverf werd eerst voornamelijk in de industrie gebruikt, rond 1950 begon de ontwikkeling van acrylverf voor de kunstschilder. Deze ontwikkeling en verbetering van acrylverf gaat nog steeds voort en levert, door gebruik van zowel traditionele als nieuw synthetisch vervaardigde pigmenten, weer nieuwe kleuren op.

Het werk van Helen Frankenthaler komt voort uit het abstract expressionisme, met name colourfield painting en behoort tot het latere post-painterly abstraction. Begin 1960 begon zij voor het eerst te schilderen met acrylverf. Ze werkte onder andere met verdunde verf, die ze op het doek laat mengen en vervloeien.

Helen Frankenthaler (foto: Alexander Liberman)


Bron afbeelding: http://www.goldbergmcduffie.com/projects/artnews/frankenthaler.jpg

Complementaire kleuren

zijn kleuren die tegen over elkaar liggen in de kleurencirkel. Wanneer complementaire kleuren naast elkaar worden geplaatst, versterken ze elkaar en krijgen ze een heldere uitstraling.

Primaire kleuren

zijn kleuren waaruit theoretisch de meeste kleuren gemengd kunnen worden.

Secundaire kleuren

zijn kleuren die ontstaan uit menging van primaire kleuren.

Uit menging van primaire kleuren ontstaan nieuwe secundaire kleuren:
Geel + rood = oranje
Geel + blauw = groen
Rood + blauw = paars

Wiki over kleur: http://nl.wikipedia.org/wiki/Kleur

zaterdag 20 november 2010

Abstract expressionisme

Het abstract expressionisme is een kunststroming welke ontstond midden jaren 40 in Amerika. Kenmerkend aan deze stijl zijn de overwegend abstracte beeldtaal en de expressieve schilderswijze. Het surrealisme heeft veel invloed gehad op het abstract expressionisme. Dit is met name te zien aan de aandacht voor emoties, welke verbeeld worden in de schilderwijze en het kleurgebruik. Ook de rol van het toeval is belangrijk tijdens het schilderen. De abstract expressionisten werkten vaak op grote formaten en vonden het schildersproces meestal belangrijker dan het uiteindelijke resultaat.

Het abstract expressionisme kent uiteenlopende stijlen, van wild tot ingetogen, van abstract tot figuratie. Er zijn twee stromingen welke uit het abstract expressionisme voortkomen, action painting (schildersgebaar)  en colourfield painting (kleurvlakken). Belangrijke vertegenwoordigers zijn: Willem de Kooning, Robert Motherwell, Jackson Pollock, Clyfford Still, Mark Rothko, Barnett Newman en Mark Tobey.


Action painting

Vanuit het surrealisme werd de techniek van de 'ecriture automatique', het automatisch schrijven en schilderen, overgenomen. In action painting staat de handeling van het schilderen centraal. Het gebaar en de beweging van de schilder zijn terug te lezen in het schilderij. Een bekend voorbeeld is de schilder Jackson Pollock, die door middel van ‘drippings’ de verf op het doek aanbracht.

Jackson pollock, interview & werk:

 


Colourfield painting

Colourfield painting is een stroming welke voortkomt uit het abstract expressionisme in de jaren 50 -60 waarin kleur een belangrijke rol speelt. Veelal bestaan de schilderijen uit grote monochrome kleurvlakken. De penseelstreek en het handschrift van de kunstenaar zijn hierbij van minder belang. Kleur heeft in colourfield painting een emotionele waarde. Met name voor Rothko was het schilderij een meditatieve ervaring. Barnett Newmann, Mark Rothko en Clyfford Still zijn vertegenwoordigers van colourfield painting.

Mark Rothko in National Gallery of Art: http://www.nga.gov/feature/rothko/


Post-painterly abstraction

De stroming post-painterly abstraction ontstond aan het eind van de jaren 50 vanuit colourfield painting. In deze stroming lag de nadruk op het onderzoek naar kleur. Anders dan bij colourfield, gaat het niet om de emotionele waarde van kleur, maar wordt kleur als een zelfstandig beeldmiddel gebruikt. De schilders van post-painterly abstraction keren zich af van het subjectieve en de persoonlijke schilderstoets van het abstract expressionisme. Ze schilderen abstract en onpersoonlijk, waarbij het toeval een rol blijft spelen in de schilderswijze. Het gaat om de handeling en dynamiek van het schilderen, zonder vooropgezet plan. Schilders uit deze stroming zijn: Helen Frankenthaler, Morris Louis, Ad Reinhardt, Jules Olitski, Larry Poons.

Hard Edge 

Hard edge is een vorm van post painterly abstraction, waarbij er sprake is van monochrome kleurvlakken welke met strakke lijn van elkaar zijn gescheiden. Hierbij is de schilderswijze abstract en onpersoonlijk. Vertegenwoordigers van Hard edge zijn Elsworth Kelly, Keneth Noland en Frank Stella.

zaterdag 25 juli 2009

Gevoelige voorwerpen

"Een stillevenschilder moet de gevoelens weergeven die (de voorwerpen) in hem oproepen.
De gevoelens van het geheel, de onderlinge verbanden van de voorwerpen, het specifieke karakter van ieder voorwerp - dat verandert in relatie met de andere voorwerpen - zijn onderling met elkaar verstrengeld als een touw of een slang."
Citaat van Henri Matisse

Prachtig stillevenschilderij van Joris von Son:
Bron: http://upload.wikimedia.org/

Vitruviaanse man

Uomini universali
Leonardo da Vinci 1452-1519
Vitruviaanse man ca. 1490

 Zie voor meer info: http://nl.wikipedia.org/wiki/Vitruviusman



De gulden snede is de verdeling van een lijnstuk in twee delen in een speciale verhouding. Het grootste van de twee delen verhoudt zich tot het kleinste, zoals het gehele lijnstuk zich verhoudt tot het grootste.

A (grootste deel) : B (kleinste deel) = (A+B) : A

 A/B = Gulden getal --> Griekse letter phi φ

 

Zie voor meer info Gulden snede en phi: http://nl.wikipedia.org/wiki/Gulden_snede

donderdag 25 juni 2009

Claude Monet en zijn vrouw in viervoud

Claude Monet (1840 - 1926) schilderde in zijn tuin het schilderij Femmes au jardin (1867).
Hiervoor stond zijn vrouw voor alle vier vrouwen op het schilderij model.
Het schilderij heeft een afmeting van ca. 2,5 bij 2 meter.
Het doek plaatste hij in een geul, om zo de bovenkant van het doek goed te kunnen schilderen.

Afbeelding: Claude Monet
Bron: http://www.impressionism-art.org/data/media/133/monet-claude-07.JPG

zaterdag 2 mei 2009

Lascaux

Georges Bataille over Lascaux: "...uit het niets deze wereld van de kunst, waar de communicatie der geesten begint."

Grotten van Lascaux Wikipedia



Wegens de aantallen touristen en de invloed van hun uitademing op de conditie van de grotschilderingen (carbon dioxide, condens) zijn de grotten sinds 1963 gesloten voor bezichtiging.

Sinds 1983 is er een replica van Lascaux te bezichtigen: http://www.culture.gouv.fr/culture/arcnat/lascaux/en/
Ook kan er online een virtuele tour worden gemaakt: http://www.culture.gouv.fr/culture/arcnat/lascaux/en/

vrijdag 23 januari 2009

Zoete koe met brokken

Het schilderen van vee, en dan vooral van koeien in de wei, heeft in Nederland een lange traditie. Door de uitputting van landbouwgronden in de 17e eeuw, nam de veeteelt in Holland toe. Runderen in een vlak weidelandschap zijn sindsdien een toonbeeld voor het Hollandse landschap.
De eerste landschappen met vee stammen uit de Gouden Eeuw, zoals schilderijen van Paulus Potter en Albert Cuyp.

Paulus Potter (1625-1654)

Begon met schilderen in het atelier van zijn vader Pieter Potter.
Tot ca. 1640 schilderde hij, net als zijn vader, historiestukken.
Later heeft hij zich toegelegd op het schilderen van landschappen met dieren.
Een bekend schilderij is De Stier, collectie Mauritshuis
Of de Vier koeien in de weide, collectie Rijksmuseum


Albert Cuyp (1620 - 1691)

Ook hij begon zijn schildersloopbaan in het atelier van zijn vader, Jacob Cuyp. Rond 1650 schilderde hij Hollandse landschappen waarin de Italiaanse zon lijkt te schijnen.
Koeien speelden een belangrijke rol in zijn schilderijen.
Vee op een weide, collectie National Gallery, Londen
Jonge herders met koeien, Metropolitan Museum of Art, New York

Voor de schilders van de Haagse School (ca. 1870 tot 1900) waren de Hollandse landschappen en veestukken een geliefd thema.
Schilders van de Haagse school streefden naar een realistische weergave van de werkelijkheid. Geen idealisering, maar eenvoudige onderwerpen.
Zij werkten veel buiten in de vrije natuur.
Belangrijke elementen in de schilderijen zijn licht en atmosfeer.

Prachtige schilderijen van Willem Maris (1844 – 1910)
Zoals, Koe aan de slootkant, Rijksmuseum

Het landelijke leven geschilderd door Anton Mauve (1838 – 1888)
Wisseling van grasland

Hedendaagse veeschilders

Geschilderde koeien zijn een rage, ze zijn er in alle soorten en maten...
Sommige kunstenaars schilderen veel koeienportretten, zoals Clara Bastian .
Veeschilder Ruud Spil schildert met passie koeien, mooi zijn onder meer zijn weideschilderijen.
Of de koeien van Isidoor Feenstra, bijvoorbeeld het veelzeggende Picknick.
De koe wordt op de voorgrond geplaatst.
Zo zijn er veel portretten van runderen, waar alleen de kop wordt weergegeven.
Ook veel voorkomend zijn geschilderde runderen met menselijke trekjes, zoals een knipoog, grijns of met attributen.
Op veel kunst sites zijn speciale rund-rubrieken te vinden om al het vee te stallen, zoals op de site van Artolive.

Zelf koeien schilderen?
U kunt natuurlijk gewoon een wei met koeien zoeken,
maar er zijn ook speciale koeien-schilderen-workshops te volgen.

De koe helemaal hot en trendy.
Hij kijkt u indringend aan vanaf het schildersdoek, of teder met een natte neus. Maar de kalverliefde zit niet diep, gezien het feit dat nog steeds 1,2 miljoen vleeskoeien, 2,6 melkkoeien en 1,4 miljoen kalfjes een erbarmelijk leven leiden in de bio-industrie. Wist u dat 1 op de 5 koeien in Nederland het hele jaar op stal staat? Melkkoeien worden meer dan uitgemolken, veel kalveren zien nooit hun moeder en vleeskoeien komen nooit buiten...

donderdag 15 januari 2009

Het bos door de bomen zien - boslandschap

Piet Mondriaan 1872- 1944

Voor zijn kubistische, non-figuratieve stijl schilderde Piet Mondriaan rond 1899 een bos, bestaande uit boomstammen en een piramidevormige horizon.
In 1908 schilderde Mondriaan het bos nabij Oele in de omgeving van Hengelo.
Beide schilderijen bevinden zich in de collectie van het Haagse Gemeentemuseum.

Het boslandschap geschilderd door hedendaagse kunstenaars:
Gertjan Scholte-Albers trekt al jarenlang het bos in om ter plekke schilderend de waarneming te onderzoeken en te experimenteren met kleuren.
Voor Edith Sont is het bos een geliefd en veelzijdig onderwerp in haar tekeningen en schilderijen.